Simon Rattle et le Berliner Philharmoniker ont serti un somptueux écrin à Miklós Perényi dans le Concerto pour violoncelle de Witold Lutoslawski

Paris, Salle Pleyel, mercredi 27 février 2013 

 Photo : (c) Berliner Philharmoniker, DR

Chaque apparition à Paris de l’Orchestre Philharmonique de Berlin constitue un véritable événement. Certes, il est loin le temps où, voilà une trentaine d’années, la première phalange symphonique mondiale se produisait au Théâtre du Châtelet pour un prix de places modique (100FF pour les plus chères, soit une trentaine d’euros en 1985 au lieu de 145 euros aujourd’hui) sous la direction de Herbert von Karajan, mais les foules se pressent toujours autant à chacun de ses concerts. Je me souviens de ce séjour au Châtelet des Berlinois, qui, pour leurs deux prestations publiques en trois jours, avaient investi le vieux théâtre à l’italienne une semaine durant et qui ont illuminé ce lieu tandis que je travaillais en écoutant le retour-son de mon bureau situé deux étages au-dessus du plateau, et qui, avant leur service, pendant les pauses et après les répétitions, n’avaient de cesse de travailler et retravailler jusque dans les moindre recoins des étages de l’administration du théâtre, jusque dans les toilettes, pour travailler un trait, s’échauffer sur leurs instruments, jusqu’à l’appel des troupes par l’assistant du Maestro. C’est là que j’ai compris que la qualité d’un orchestre n’est pas le fruit du hasard mais du seul travail ajouté à la volonté d’être le meilleur…

 Sir Simon Rattle. Photo : Berliner Philharmoniker, DR

 

Depuis la mort de Karajan, et grâce à la détermination de son successeur direct, Claudio Abbado, les programmes se sont ouverts sur des répertoires jusqu’alors moins courus, notamment la musique française post-debussyste, l’italienne et, surtout, la création contemporaine. Avec Simon Rattle, cette politique se poursuit, même si les créations sont moins audacieuses. Ainsi, les Berlinois ont-ils proposé cette semaine deux concerts aux programmes téméraires, que Karajan eut soigneusement évité alors que le public était pourtant prêt à se précipiter à ses concerts sur son seul nom, indépendamment des œuvres à l’affiche. Il faut néanmoins convenir que le premier programme comptait deux partitions grand public, le Concerto n° 3 pour piano de Beethoven et la Rhénane de Schumann, qui entouraient le cycle de mélodies de Dutilleux, Correspondances, interprété par l’une des grandes sopranos de l’heure, Barbara Hannigan…

Henri Dutilleux (né en 1916). Photo : DR

 

Le concert de mercredi s’est ouvert sur Métaboles d’Henri Dutilleux. Composées en 1964, les cinq pièces qui s’imbriquent les unes dans les autres pour constituer cette œuvre pour grand orchestre avec bois et cuivres par quatre, sont le fruit d’une commande de George Szell pour le cinquantième anniversaire de l’Orchestre de Cleveland, qui en a donné la création le 14 janvier 1965. La partition est conçue à la façon d’un concerto pour orchestre, chacune des parties, dont la formule initiale subit une succession de métamorphoses, privilégiant une famille spécifique d’instruments, bois, cordes, percussion, cuivres, avant d’être tous réunis dans le finale. L’interprétation qu’en ont donnée Rattle et les Berlinois a manqué de souplesse et de spontanéité, et l’on a pu percevoir ça et là quelque faiblesse instrumentale, notamment du côté d’un solo aléatoire du premier violoncelle aux attaques peu assurées. Quant à l’orchestre, ses textures se sont avérées trop sombres. Option apparemment voulue par le chef britannique, si l’on juge le choix des quatre trompettes à palettes sonnant plus « allemand » que les trompettes à piston… 

Witold Lutoslawski (1913-1994). Photo : DR

 

Pourquoi Witold Lutoslawski (1913-1994), qui aimait tant la France, y est-il si peu programmé, même en cette année du centenaire ?... Ses interprètes sont pourtant nombreux, et comptent parmi les plus éminents, d’Esa-Pekka Salonen à Christian Zimmermann, en passant par Anne-Sophie Mutter, Seiji Ozawa, Dietrich Fischer-Dieskau, Mstislav Rostropovitch… Lutoslawski est assurément le plus grand des compositeurs polonais - si l’on considère Chopin comme autant Polonais que Français et qu’il se consacra quasi exclusivement au piano -, et l’un des plus inventifs et originaux de sa génération, tandis que sa création ne compte aucune faiblesse. Créé le 14 octobre 1970 par Mstislav Rostropovitch qui le lui avait commandé dès 1967, et le Royal Philharmonic Orchestra, son Concerto pour violoncelle et orchestre se présente tel l’histoire de Don Quichotte au XX^e siècle, selon la formule de Galina Vichnevskaia, épouse de Rostropovitch. Cet ample mouvement enchaînant Introduction, quatre Episodes, une Cantilène et un Finale, se présente en effet comme un conflit entre le soliste et l’orchestre, le premier commençant par une longue cadence construite sur la note ré résolument répétée « d’une manière inexpressive, comme un moment de relaxation complète ou même de distraction », comme le confiait le compositeur à Rémy Jacob dans la pochette du premier enregistrement mondial de l’œuvre (1). 

 Miklós Perényi. Photo : DR

 

Cette longue introduction du soliste, qui instaure un climat d’attente, est brusquement interrompue par la sonnerie des trompettes d’une violence inouïe, avant que le dialogue s’instaure entre le violoncelle et les divers pupitres ou groupes d’instruments de l’orchestre, jusqu’à la Cantilène, où seules les cordes se joignent au soliste, qui se fait « envoyer dans les cordes » par une virulente et brusque intervention des cuivres qui débouche sur l’intervention furieuse de l’orchestre. Le violoncelle réapparaît timidement, avant de gagner en assurance et de combattre bravement les divers pupitres, et d’être de nouveau écrasé et de se faire plaintif, pour mieux triompher dans la coda, où il reprend le trait obsessionnel sur une seule note du début, mais cette fois sur un la de son registre aigu. Cette œuvre est somptueuse, avec cette longue angoisse instaurée au début par l’archet courant opiniâtrement sur la même note sèche bientôt rejoint par les appels stridents des trois trompettes... Le passage aléatoire de l’orchestre au centre de la partition est d’une puissance hallucinante, un grand cri de terreur qui conduit toute la dernière partie de cet extraordinaire concerto composé pour Rostropovitch, à l’instar du concerto Tout un monde lointain de Dutilleux, mais qui s’avère plus théâtral, introverti et tragique que ce dernier. Miklós Perényi y est extraordinaire, humble et un peu perdu mais jouant merveilleusement avec une maîtrise d’une implacable précision et une force humaine impressionnante.

Robert Schumann (1810-1856). Photo : daguerreotype de 1850, DR

 

Le concert s’achevait sur la Symphonie n° 2 en ut majeur op. 61 de Robert Schumann, qui a permis à l’Orchestre Philharmonique de Berlin de briller de tous ses feux. Rattle a choisi d’alléger les textures, particulièrement les basses, avec seulement sept violoncelles et cinq contrebasses, et les altos entre les premiers violons et les violoncelles, bois et cuivres par deux, et trombone basse, pour offrir une lecture rayonnante et chaleureuse de cette symphonie qui est sans doute la plus accomplie de Schumann, avec un admirable troisième mouvement, d’une tendresse, d’un onirisme et d’une beauté organique enchanteurs ; un grand moment d’élégance et de spiritualité. L’ample mouvement initial aux lignes acérées et aux textures aérées, chantant à plein poumons a ouvert cette remarquable exécution. Une exécution qui dit combien Rattle a saisi la grâce schumannienne, qui n’est de toute évidence pas le fruit du « mauvais orchestrateur » que d’aucuns condamnent, à l'instar de Gustav Mahler, qui a jugé utile de tout réorchestrer...

Bruno Serrou

1) CD EMI 5 67867 2, avec le concerto pour violoncelle de Dutilleux Tout un monde lointain. Rostropovitch concerte avec l’Orchestre de Paris dirigé par Witold Lutoslawski.

Van Cliburn, le musicien de la paix au temps de la guerre froide qui a donné son nom à l’un des plus fameux concours internationaux de piano est mort mercredi 27 février 2013

Van Cliburn (1934-2013), jouant dans la Grande Salle du Conservatoire de Moscou pendant le Premier Concours International Tchaïkovski, en 1958

Van Cliburn, le pianiste américain dont la victoire au Premier Concours international Tchaïkovski de Moscou en 1958 a fait du jour au lendemain une star planétaire du piano, le propulsant sur le champ dans une carrière lucrative et un succès phénoménal quoique de courte durée, est décédé mercredi 27 février 2013 en son domicile de Fort Worth au Texas des suites d’un cancer des os. Il avait 78 ans. 

 Nikita Khrouchtchev félicitant Van Cliburn au soir du Premier Concours International Tchaïkovski, en 1958

A 23 ans, immense silhouette dégingandée aux mains démesurées, Van Cliburn avait fait sensation en remportant en pleine guerre froide, tandis que les autorités soviétiques attendaient une victoire de l’un de leurs concitoyens, le premier Concours International Tchaïkovski, manifestation quadriennale créée en 1958 en vue de démontrer la supériorité de la culture soviétique. L’exploit, à Moscou, a été vécu comme le triomphe des Etats-Unis sur l’Union soviétique. Sa prestation dans le Concerto n° 1 pour piano et orchestre de Tchaïkovski et le Concerto n° 3 pour piano et orchestre de Rachmaninov lui a valu une ovation debout de huit minutes d’un public conquis par son talent exceptionnel. Ce qui conforta les juges du concours dans leur décision les incita à demander au Premier secrétaire du Parti communiste, Nikita Khrouchtchev, le droit de récompenser le jeune Américain. « Est-il le meilleur ? », demanda Khrouchtchev. « Alors, donnez-lui le prix ! » Tandis qu’Emil Gilels, membre du jury du concours, se précipitait dans les coulisses pour embrasser Van Cliburn, Sviatoslav Richter, autre juré, le qualifiait de « génie », avant d’ajouter : « Je n’ai pas pour habitude d’utiliser ce terme à la légère à propos des artistes. »

Grâce à cette victoire, le pianiste texan a très vite connu une popularité digne d’une pop-star, attirant l’attention dans son propre pays sur la musique classique dont l’audience commençait à décliner plus ou moins. Lorsqu’il revint aux Etats-Unis, Van Cliburn a eu droit à New York à une « ticker-tape parade » au cœur de Manhattan, devenant ainsi le premier musicien à être acclamé par cent mille personnes rassemblées dans Broadway. Tandis que Time Magazine fait sa une sur une photo du pianiste, titrant « Le Texan qui conquit la Russie », le maire de New York, Robert F. Wagner, déclare lors d’une cérémonie à la mairie : « Avec ses deux mains, Van Cliburn a touché une corde sensible qui a résonné partout dans le monde, ce qui élève notre prestige auprès des artistes et des mélomanes du monde entier ».

Né à Shreveport en Louisiane le 12 juillet 1934, Harvey Lavan (Van) Cliburn Jr. s’était mis au piano à 3 ans, mimant les étudiants de sa mère, Rildia Bee O’Bryan, elle-même élève d’Arthur Friedheim (1859-1932), disciple de Franz Liszt, qui sera sa seule professeur jusqu’à l’âge de 17 ans. A 4 ans, il donnait ses premiers concerts, et remportait à 12 ans un premier concours au Texas, où ses parents s’étaient installés en 1940. Ce qui lui aura permis de se produire aussitôt avec l’Orchestre Symphonique de Houston, déjà dans le Concerto n° 1 de Tchaïkovski. A 17 ans, il entrait à la Juilliard School de New York, où il devint l’élève de Rosina Lhevinne, qui le forgea à la tradition russe du piano. A 20 ans, il remportait le prix de la Fondation Leventritt qui lui ouvrit les portes du Carnegie Hall et de cinq grands orchestres américains, dont l’Orchestre Philharmonique de New York sous la direction de Dimitri Mitropoulos dans le Concerto pour piano n° 1 de Tchaïkovski. Ainsi, Van Cliburn entrait de plain-pied au sein de cette génération de pianistes américains alors des plus prometteurs, aux côtés de Leon Fleisher, Byron Janis et Gary Graffman. 

Barack Obama remettant à Van Cliburn la National Medal of Arts à la Maison Blanche le 2 mars 2011

Doté de mains d’une amplitude hors norme, Van Cliburn était un pianiste au talent naturel qui a développé une technique magistrale et une sonorité extraordinairement chaude, le tout au service d’une profonde sensibilité musicale. A son meilleur, son jeu était d’une ferveur toute romantique dont les élans étaient atténués par une retenue. Mais, dès la fin des années 1960, l’emphase et l’affectation de son jeu ont rendu chacune de ses apparitions, qu’il commençait le plus souvent par le Star-Spangled Banner, toujours plus caricaturales.  

Sa victoire moscovite fut à la fois un révélateur et une entrave. Si les invitations se sont mises à s’accumuler, organisateurs et public ne souhaitaient l’entendre que dans les deux concertos avec lesquels il avait gagné le Concours Tchaïkovski. « Quand je l’ai remporté, je n’avais que 23 ans, et tout le monde en parlait, constatait-il en 2008. Mais je me sentais comme si j’étais titulaire de ce prix depuis vingt ans. C’était passionnant d’être désiré. Mais c’était aussi une pression. » Tant et si bien que son répertoire resta restreint, tandis que ses prestations publiques se limitèrent dès les années 1960. Puis il finit par se retirer de la scène en 1978. Il revint cependant en 1989, avec un concert à Philadelphie, mais ses apparitions seront toujours occasionnelles. Dans l’intervalle, il avait donné son nom au Concours de Fort Worth qui a couronné des pianistes de renom, comme Yuri Egorov, Radu Lupu, Cristina Ortiz, Nicolaï Petrov, Christian Zacharias… Van Cliburn a donné son ultime concert en septembre dernier au Bass Performance Hall de Fort Worth pour le cinquantième anniversaire de la Fondation Van Cliburn. 

Bruno Serrou

Parmi les enregistrements de Van Cliburn, un indispensable, le CD qui rassemble le Concerto n° 1 de Tchaïkovski et le Concerto n° 3 de Rachmaninov, le premier dirigé par Kirill Kondrachine, captation « live » du Concours Tchaïkovski avec l’Orchestre Philharmonique de Moscou, le second dirigé par Fritz Reiner à la tête de l’Orchestre Symphonique de Chicago (1CD RCA Living Stereo). A noter que RCA a publié l’intégrale de ses enregistrements réunis en un coffret de 29 CD (RCA Red Seal 540723)

Photo : Photos DR

Marie-Claire Alain, la plus grande organiste des temps modernes, est décédée mardi à l’âge de 86 ans

Marie-Claire Alain (1926-2013). Photo : DR

Douée d'une mémoire phénoménale qui lui a permis de jouer par cœur la plupart des œuvres figurant dans son vaste répertoire, de l’ère baroque au XX^e siècle, Marie-Claire Alain lègue un héritage considérable, à la fois discographique, avec plus de deux cent cinquante enregistrements, et pédagogique, la plupart des grands organistes d’aujourd’hui ayant été ses élèves. 

Fille du compositeur organiste Albert Alain, qui fur l’élève de Guilmant, Vierne et Fauré, et sœur benjamine du compositeur et organiste Jehan Alain, dont la mort au front pendant la Seconde Guerre mondiale la marqua profondément, Marie-Claire Alain compte parmi les plus illustres organistes de sa génération. Ses tournées de récitals qui l’ont conduite dans le monde entier, lui ont apporté la réputation d’interprète parmi les plus éminentes de Jean-Sébastien Bach, au point d’être célébrée aux Etats-Unis comme « The First Lady of the Organ ». 

Née le 10 août 1926 à Saint-Germain-en-Laye, où elle fait ses débuts à 11 ans comme suppléante de son père à la tribune de l’église Saint-Germain, elle entre au Conservatoire de Paris en 1944. Elle y devient l’élève de Marcel Dupré (orgue), Maurice Duruflé (harmonie) et Simone Plé-Caussade (fugue), et obtient de nombreux prix, avant de remporter un grand nombre de concours internationaux, notamment le Deuxième Prix du Concours de Genève en 1950, tout en se perfectionnant avec Gaston Litaize et André Marchal. 

Marie-Claire Alain a largement contribué, par ses enregistrements et ses nombreux concerts, à la découverte et à la propagation de l'œuvre de son frère aîné Jehan. Musiciens et critiques louent la clarté étincelante de son jeu, la pureté de son style, la musicalité intense et l'ardeur de ses interprétations, sa maîtrise dans l’art de la registration. Pédagogue recherchée, ce qui l’a conduite à enseigner dans les plus prestigieuses universités des Etats-Unis, du Japon et dans tous les grands conservatoires d’Europe, elle aura fondé son enseignement sur les études musicologiques approfondies qu’elle n’aura eu de cesse d’effectuer dans les domaines de la littérature pour orgue et de l’interprétation des musiques ancienne, romantique et symphonique. Elle a également été chargée du Cycle de formation professionnelle pour organistes dans le cadre du Conservatoire de Région de Paris de 1994 à 2000, après avoir enseigné au Conservatoire de Région de Rueil-Malmaison de 1978 à 1994. En 1977, elle dirige la réfection des Grandes Orgues de la cathédrale Saint-Etienne de Bourges. Cette même année, elle fonde l’Académie Bach de Saint-Donat dans la Drôme où elle dispense des master-classes tous les étés sur l’orgue Schwenkedel jusqu’en 1991. Elle est aussi invitée permanente de l’Académie d’orgue de Romainmôtier en Suisse où elle dispense ses cours de 1991 à 2009 sur l’orgue restauré de la famille Alain. Elle était titulaire de l’orgue de l’église Saint-Louis de Saint-Germain-en-Laye, où elle avait succédé à son père. Au sein de son impressionnante discographie, citons les célèbres Intégrales Jean-Sébastien Bach (qu’elle enregistra trois fois), Dietrich Buxtehude, César Franck et Jehan Alain qui lui ont valu plus de quinze Grands Prix du Disque.

Née le 10 août 1926, Marie-Claire Alain est décédée le 26 février 2013. Elle avait renoncé à sa carrière d’interprète en 2010, après avoir donné plus de deux mille cinq cents récitals et concerts. Charles Chaynes lui avait dédié en 1966 son Concerto pour orgue. Sa connaissance incomparable de l’instrument l’avait conduite au sein de la Commission des orgues non protégées du ministère de la Culture de 1970 à 2009 et, à deux reprises, de la Commission supérieure des monuments historiques pour les orgues de 1966 à 1984 et de 1998 à 2006.

Bruno Serrou

CD : La Walkyrie irrégulière de Valery Gergiev, malgré Jonas Kaufmann, Nina Stemme, René Pape, Anja Kampe, Mikhail Petrenko et Ekaterina Gubanova

Voilà un enregistrement qui était pour le moins attendu… Cette Walkyrie  venue de Russie réunit en effet ce qui se fait de mieux en matière de voix wagnériennes de l’heure dans le monde. Au moment où les majors rééditent leurs archives captées dans les années 1950-1980, qui continuent à faire date dans l’histoire du disque, une captation du Ring des années 2010 ne pouvait que susciter l’intérêt le plus vif, surtout avec un cast digne des glorieuses années de la stéréophonie, de plus dirigée par l’un des chefs les plus en vue de notre temps, Valeri Gergiev. Car cette Walkyrie, captée au Théâtre Mariinski de Saint-Pétersbourg, constitue le premier volet de la Tétralogie complète que le label du célèbre théâtre d’opéra de la cité impériale russe, à l’instar du premier Ring studio publié au disque, celui de Georg Solti entre 1958 et 1964 chez Decca, poursuivra dans les mois qui viennent avec la publication de l’Or du Rhin lui-même suivi par les deux derniers volets du cycle. 

Paris a pu mesurer à l’époque où Gérard Mortier dirigeait l’Opéra de Paris, combien le chef russe a d’affinité avec la musique de Wagner lors de mémorables représentations du Tristan und Isolde mis en scène par Peter Sellars et Bill Viola qu’il avait dirigées avec une force dramatique et une tension exacerbée qui formaient un saisissant contraste avec la vision toute en nuances et en intériorité d’Esa-Pekka Salonen à qui il avait succédé dans la fosse de l’Opéra-Bastille dans cette même production. On se souvient également du Parsifal pétersbourgeois publié voilà plusieurs mois par ce même label du Théâtre Mariinski. Après une telle énergie, on pouvait s’attendre à une Walkyrie dramatique à souhait...

Or, il n’en est rien. Car, après un premier acte de grande beauté sublimé par Jonas Kaufmann, diction impeccable et plastique vocale fabuleuse, qui incarne un Siegmund comme on n’en avait plus entendu depuis Jon Vickers, et par Anja Kampe, dont la voix d’une fraîcheur lumineuse fait de sa Sieglinde un être terriblement émouvant, deux chanteurs qui forment un rayonnant couple incestueux, tandis que Mikhail Petrenko en Hunding complète admirablement ce magnifique duo, et une direction parfaitement dans le rythme, les tempi s’étirent par la suite à l’excès, voire se distendent carrément, au point que l’on ne ressent guère d’émotion dans les Adieux de Wotan, pourtant chantés par René Pape, qui a tous les atouts pour faire un magnifique dieu des dieux, notamment le timbre, magnifique, et que l’on attendait plus déchirant mais qui s’étouffe à suivre la battue irrégulière du chef, qui ralentit excessivement les moments lyriques et accélère subitement dans les passages les plus complexes, au point de vider de sa substance le premier tableau du deuxième acte, d’abord le face à face Fricka (superbe Ekaterina Gubanova) / Wotan puis la confession de Wotan à Brünnhilde, campée par une Nina Stemme pourtant impressionnante et à la voix pleine et ronde. Cependant, les couleurs brutes de l’Orchestre du Théâtre Mariinski, les timbres sombres des cordes, la dureté de la percussion, la sécheresse des cuivres, l’âpreté des bois, n’invitent pas à la flânerie… A l’exception des Adieux de Wotan déjà mentionnés, Pape et Stemme sont plus à l’aise dans le troisième acte, qui, après une chevauchée des Walkyries un peu trop lente, s’ouvre sur une ultime intervention d’Anja Kampe (Sieglinde) d’une grandeur extraordinaire.

 

Cette extraordinaire distribution ne parvient malheureusement pas à transcender l’approche distante et parfois sans nerf de Gergiev, qui semble s’ennuyer dans certains passages, ce qui est pour le moins étrange pour un enregistrement live. Reste à espérer que le chef russe, qui possède les atouts pour signer au disque un Ring épique, retrouve dans les autres volets l’élan et l’urgence du premier acte de cette Walkyrie et ne se laisse pas aller à la somnolence qui submerge les deux autres actes.

Bruno Serrou

4 SACD Mariinski MAR0527. www.mariinskylabel.com