Avec L’Inondation, Francesco Filidei, sur un livret de Joël Pommerat, confirme sa profonde affinité avec la scène lyrique

Paris. Opéra Comique, salle Favart. Vendredi 27 septembre 2019

Francesco Filidei (né en 1973), L'Inondation. De bas en haut : Chloé Briot (la Femme), Yael Raanan-Vandor (la Voisine), Enguerrand de Hys (le voisin), enfants de la Maîtrise Populaire de l’Opéra Comique, Guilhem Terrail (le Narrateur). Photo : (c) Stéfan Brion

L’opéra que l’on a cru mort voilà encore un quart de siècle ne cesse de ressusciter. Trois premières mondiales en terres francophones en une semaine. Deux au Théâtre de La Monnaie de Bruxelles (voir http://brunoserrou.blogspot.com/2019/09/pascal-dusapin-propose-bruxelles-un.html(1)), la troisième à Paris, à l’Opéra Comique. Toutes les trois particulièrement attendues.

Francesco Filidei (né en 1973), L'Inondation. Boris Grappe (l’Homme), Chloé Briot (la Femme), Norma Nahoun (la Jeune Fille). Photo : (c) Stéfan Brion

Salle Favart, L’Inondation de l’Italien Francesco Filidei (né en 1973) sur un livret du Français Joël Pommerat (né en 1963) n’aura pas déçu. La première, vendredi, a même été triomphale. Le travail réalisé par l’équipe réunie par le directeur de l’Opéra-Comique, Olivier Mantéi, voilà près de trois ans se sera avéré pour le moins fructueux. Pour son deuxième opéra après Giordano Bruno créé voilà tout juste trois ans à Strasbourg (voir http://brunoserrou.blogspot.com/2015/09/avec-giordano-bruno-son-premier-opera.html) sur son propre livret, Francesco Filidei s’est vu associer par la direction de l’Opéra Comique à un librettiste. Et pas n’importe lequel, car il s’agit de l’un des plus brillants metteurs en scène et auteurs dramatiques français, Joël Pommerat, qui, après avoir adapté des pièces de théâtre pour la scène lyrique, signe ici son premier livret d’opéra. Les deux hommes ont travaillé ensemble plus d’un an à l’écriture de leur premier opus commun dans les murs de Favart, en compagnie parfois des chanteurs et d’instrumentistes.

Francesco Filidei (né en 1973), L'Inondation. Norma Nahoun (la Jeune Fille), Yael Raanan-Vandor (la Voisine), enfants de la Maîtrise Populaire de l’Opéra Comique, Chloé Briot (la Femme). Photo : (c) Stéfan Brion

Les deux auteurs ont porté leur dévolu sur une courte nouvelle L’Inondation de l’écrivain russe Evgeny Zamiatine (1884-1937) parue en 1929 (2), une inondation autant physique, due à la crue d’un fleuve, que psychique, le drame d’une femme meurtrière. Commençant sur le flash-back d’un assassinat, l’opéra en deux actes conte l’histoire de petites gens, autour d’un couple sans enfant vivant au rez-de-chaussée d’un immeuble et de leur voisinage immédiat dont la vie s’écoule au ralenti, à l’instar de l’usine voisine, silencieuse, immobile sur les rives d’un fleuve apparemment paisible. Une nuit d’automne pluvieuse, le couple accueille une jeune fille vivant dans les comble et dont le père vient de mourir. 

Francesco Filidei (né en 1973), L'Inondation. Boris Grappe (l’Homme), Norma Nahoun (la Jeune Fille), Cypriane Gardin (la Jeune fille comédienne). Photo : (c) Stéfan Brion

Des liens de plus en plus intimes se nouent entre l’homme et l’adolescente, et l’épouse est de plus en plus rongée par la douleur, par la jalousie et par le ressentiment qui l’entraînent au bord du gouffre. Un jour de crue, tandis qu’une inondation dévaste leur appartement, la femme se laisse submerger par ses émotions. Hébergés par la famille du premier étage, chacun retrouve sa place, l’homme et la femme de nouveau réunis la nuit sur un divan du salon, tandis que la jeune fille partage la chambre des enfants. Lorsqu’ils regagnent leur appartement, la femme finit par tuer sa rivale. Peu après, elle se découvre enceinte. Une enquête pour disparition n’aboutit pas, et la vie reprend, malgré les cauchemars et les tempêtes intérieures de la femme. Une petite fille naît, et le couple se retrouve. Mais, hantée par le souvenir de la jeune fille, la femme sombre dans un délire et finit par parler, et finit par en mourir…

Francesco Filidei (né en 1973), L'Inondation. Boris Grappe (l’Homme), Chloé Briot (la Femme), Enguerrand de Hys (le voisin), Cypriane Gardin (la Jeune fille comédienne). Photo : (c) Stéfan Brion

Plusieurs ateliers de création d’une semaine ont été nécessaires pour que l’œuvre atteigne sa cohérence. La musique de Filidei en est le ciment. Compositeur, librettiste-metteur en scène, chanteurs ont travaillé à partir de la musique, qui a été préenregistrée, ce qui a permis aux chanteurs et à Pommerat de se focaliser sur le jeu d’acteur et sur le théâtre. Chaque matin, Pommerat arrivait au théâtre avec les dialogues totalement écrits - la nouvelle n’en comptant que fort peu - d’une scène qu’il venait d’écrire, et Filidei la découvrait en même temps que les chanteurs. « J’avais l’impression d’être un peintre, c’est-à-dire de travailler face à un modèle, a déclaré le compositeur sur France Musique. Il y a eu ensuite un très long travail d’orchestration, mais les premières intentions musicales n’ont quasi pas changé depuis le début. » Sur un livret en français qui incite à la déclamation debussyste, Filidei a composé une musique aux élans lyriques typiquement italiens, ce qui rend l’œuvre d’autant plus séduisante et convaincante.

Francesco Filidei (né en 1973), L'Inondation. Chloé Briot (la Femme), Norma Nahoun (la Jeune Fille). Photo : (c) Stéfan Brion

Gommant toute référence à la Russie et à l’époque soviétique, Pommerat situe l’action de L’Inondation dans un décor d’immeuble en coupe sur trois niveaux modestement meublé années 1950 soigneusement réalisé par Eric Soyer, chaque « case » s’allumant en fonction de l’emplacement de l’action. Le couple occupe le rez-de-chaussée, la famille de cinq personnes le premier étage, tandis que le second est partagé entre le réduit où vivait la jeune fille et où elle retrouve des garçons de son âge, et le studio occupé par un policier-narrateur.

Francesco Filidei (né en 1973), L'Inondation. Chloé Briot (la Femme), Boris Grappe (l’Homme). Photo : (c) Stéfan Brion

Sur le plan vocal, la partition associe airs et récitatifs, l’italianita du compositeur donnant au chant une suprématie que l’on ne trouve pas dans le Macbeth Underworld de Pascal Dusapin (voir http://brunoserrou.blogspot.com/2019/09/pascal-dusapin-propose-bruxelles-un.html).L’écoulement du temps est rendu palpable par les gaines électriques agitées par les cinq percussionnistes, qui jouent également d’appeaux, de boîtes à vaches, de sirènes à bouche, de ressorts, de papier de verre et à bulle, de fouet, carillons à vent, de balle rebondissante, de casserole, de kazoo, de langue de belle-mère, de couverts de table, etc. dont les bruits parcourent l’orchestre entier aux sonorités somptueuses qui font vivre les matières organiques que sont les animaux, le vent, le fleuve qui suscitent la montée des eaux et des tourments psychologiques qui finissent par submerger la matière, les fluides, les animaux et les êtres. 

Francesco Filidei (né en 1973), L'Inondation. Chloé Briot (la Femme), Vincent Le Texier (le Médecin). Photo : (c) Stéfan Brion

Cette crue incarnée par l’orchestre est magnifiquement maîtrisée et nuancée par le chef argentin Emilio Pomarico, qui excelle dans cette musique raffinée à la fois liquide et minérale. Animée par la direction d’acteur au cordeau de Joël Pommerat, la distribution est d’une homogénéité remarquable, avec la mezzo-soprano aux aigus rayonnants Chloé Briot hallucinante de douleur et d’angoisse dans le rôle de la Femme, le baryton Boris Grappe au timbre clair, le ténor Enguerrand de Hys en voisin, la Voisine Yael Raanan-Vandor aux graves charnus, Norma Nahoun (doublée par la comédienne Cypriane Gardin) est une jeune fille au timbre judicieusement juvénile auquel ceux des enfants de la Maîtrise Populaire de l’Opéra Comique donnent un juste écho, tandis que Vincent Le Texier campe un Médecin au ridicule amplifié par les accents staccato de la clarinette basse d’un Orchestre Philharmonique de Radio France riche en couleurs et d’une précision à toute épreuve.

Bruno Serrou

1) L’Opéra Comique présente l’œuvre de Pascal Dusapin du 25 au 31 mars prochain

2) L’Inondation de Zamiatine a été adapté au cinéma en 1993 par le réalisateur Igor Minaiev, avec entre autres Isabelle Huppert

Paul Badura-Skoda (1927-2019), un grand seigneur du piano, est mort

Paul Badura-Skoda (1927-2019). Photo : DR

Le grand pianiste autrichien Paul Badura-Skoda est mort mercredi 25 septembre à l’âge de 91 ans. Pour cet éminent spécialiste de la musique viennoise, particulièrement de Mozart, Beethoven et Schubert, mais aussi de Bach, leur consacrant plusieurs livres de référence, Paul Hindemith et Frank Martin dont il était l’ami, la musique, à l’instar d'un Richard Strauss, représentait la quintessence de la culture européenne.

Pour Paul Badura-Skoda, la musique des grands compositeurs refletait à la fois la vie et le mode de vie de l'époque, son aspiration à la sagesse, au sens, à l'harmonie, à la beauté, à l'accomplissement amoureux ainsi qu'à la quête du divin. Ce qui le distingue de nombreux interprètes est sa capacité à jouer non seulement les notes, mais aussi ce qui se passe entre les note qu'il fondait dans un langage poétique, les faisant « parler ». « J’ai toujours cherché ce qui se passe derrière les notes », disait-il. Ainsi, chacun de ses concerts était-elle une expérience unique pour ses auditeurs, un véritable événement. A l’instar de son professeur Edwin Fischer, il savait tirer de son instrument une sonorité polychrome caractéristique. Sous ses doigts, le piano (que ce soit un queue moderne ou d’époque) pouvait chanter telle une voix humaine ou atteindre la plénitude de l'orchestre.

Paul Badura-Skoda (1927-2019). Photo : DR

Immense pianiste, éminent pédagogue, musicologue érudit, ce disciple d’Edwin Fischer était ç l'instar de son maître un grand interprète de Mozart, Beethoven et Schubert dont il réalisa la première intégrale des sonates sur fortepiano.

Né à Vienne le 6 octobre 1927, Paul Badura-Skoda restera toute sa vie attaché à sa ville natale. C'est là qu'il s'est formé au piano et à la direction d’orchestre auprès de Martha Wiesenthal puis de Viola Thern au Conservatoire de Vienne où il entre en 1945 et d’où il sort diplômé trois ans plus tard, avant de se rendre en Suisse où il intègre la classe d’Edwin Fischer dont il devient à la fois le disciple et l’assistant. C’est également à Vienne, en 1949, que le pianiste fait ses grands débuts dans le Concerto pour deux pianos et orchestre de Mozart sous la direction de Wilhelm Furtwänger, avabt d'être invité dans la foulée par Herbert von Karajan. Sa carrière prend son envol dans les années 1950. Il multiplie dès lors les concerts à travers le monde, de l’Australie au Canada en passant par l’Amérique latine. Il se produit rapidement sous la direction des plus grands chefs d’orchestre comme George Szell, Karl Böhm, Sir Georg Solti, Sir Charles Mackerras, Lorin Maazel, Zubin Mehta, John Eliot Gardiner. 

Dans les années 1950 encore, il rencontre son compatriote Jörg Demus, qui devient son complice dans plusieurs enregistrements, comme les Sonates à quatre mains de Mozart, le Grand duo pour piano à quatre mains de Schubert, ainsi qu'un partenaire privilégié en récital jusque dans les années 2000. Comme Demus, Badura-Skoda était un grand collectionneur d'instruments anciens, dont quelques clavecins et fortepianos qu’il aimait faire découvrir à ses visiteurs. Parmi ses amis et partenaires en musique de chambre, les violonistes David Oïstrakh, Wolfgang Schneiderhan, avec qui il collabore régulièrement à partir du Festival de Salzbourg 1950, et le violoncelliste Boris Pergamenschikoff, formant avec eux un trio avec piano de légende.

Paul Badura-Skoda est très vite devenu la référence en matière d'interprétation des compositeurs autrichiens classiques. Mozart, Beethoven et Schubert sont les plus joués par le pianiste, et il enregistrera plusieurs intégrales de leurs sonates pour piano. Ses premiers disques datent de 1950. Il est des pionniers de l’enregistrement du répertoire classique, et le premier à graver plusieurs des sonates et des concertos de Beethoven et de Schubert. Remarqué pour la justesse de ses interprétations selon les préceptes d'Edwin Fisher, Badura-Skoda est aussi l’un des premiers pianistes à suivre une démarche musicologique. Il interprète sur fortepiano Mozart, Beethoven et Schubert. Aussi à l’aise sur ce type d’instrument que sur piano moderne, il passe d’un clavier à l’autre, d’une époque à l’autre, en fonction de ses besoins ou de ses envies. Son interprétation de la Sonate en la mineur KV. 330 de Mozart est une référence incontestée sur fortepiano.

Paul Badura-Skoda (1927-2019). Photo : DR

L’année du bicentenaire de Beethoven, en 1970, il joue les trente-deux sonates dans plusieurs grands centres musicaux du monde (Paris, Mexico, Chicago, etc.), suivis de récitals similaires à Vienne, Berlin et Londres. Au cours de l’Année Mozart en 1991, il donne cent quarante concerts dans le monde, dont Vienne, Paris, Madrid et Tokyo. En 2003, il réalise un tour du monde pour ses 75 ans. En 2011, il publie un disque-hommage à ses compositeurs favoris, Chopin, Ravel, Berg, disque qui permet au mélomane de découvrir une facette peu connue du pianiste. Ce CD compile trente ans d’archives du musicien autour de ces trois compositeurs apparemment très éloignés de son répertoire. Au total, sa discographie compte plus de deux cents enregistrements, dont trois intégrales sur pianoforte (Beethoven, Mozart, Schubert). Le parcours musical de cet infatigable débroussailleur explore également le XX^e siècle, avec notamment la création du Concerto n° 2 pour piano et orchestre de Frank Martin qui lui est dédié, ainsi que la Fantaisie sur des rythmes flamencos.

Ses enregistrements vont de Jean-Sébastien Bach à Frank Martin. Il est le seul pianiste à avoir enregistré l'intégrale des sonates de Mozart, Beethoven et Schubert tour à tour sur des pianos modernes et d'époque. Ses CD et DVD contenant des œuvres de Bach, Haydn, Brahms, Chopin, Schumann, Debussy, Ravel et d’autres ont été primés à plusieurs reprises par la critique.

Paul Badura-Skoda (1927-2019) dans les années 1950. Photo : DR

Auteur de nombreux ouvrages sur L'art de jouer Bach au clavier, L’art de jouer Mozart au piano ou encore sur les Sonates de Beethoven, le pianiste a accordé une importance considérable à la transmission de son art. Ses nombreux écrits reflètent sa quête de l'authenticité, autant dans la musique que dans la vie. Il a toujours cherché à comprendre les intentions du compositeur et à corriger les erreurs perpétuées dans les exécutions et les éditions musicales. Il s’est particulièrement attaché aux œuvres du XVIII^e et du début du XIX^e siècle, complétant des œuvres inachevées de Mozart et Schubert et écrivant des cadences pour des pièces de compositeurs viennois de l’époque classique. A passion pour la transmission passait en premier lieu par l'enseignement à Essen, de 1980 à 1993, et au Conservatoire de Vienne. Badura-Skoda a multiplié les cours publics et autres masterclasses dans le monde entier, influençant quantité de pianistes parmi lesquels les français Anne Queffélec et Jean-Marc Luisada.

Il était également compositeur, signant notamment une Missa en ré (1950) et une Elégie pour piano (1982). Parmi ses nombreux titres honorifiques, celui de Docteur honoris causa de l’Académie de Musique de Cracovie en 2013.

« La musique est vivante, elle doit être vécue, elle épouse le mouvement de la vie, disait-il au webzine jejouedupiano.com. Je me replonge actuellement dans l’étude du Concerto en ré mineur de Bach. Je relis la partition comme si je la découvrais à peine, mesure par mesure, avec un soin extrême. Je m’émerveille de petites choses, de nuances, d’inflexions, d’aspects qui se révèlent encore magiquement tout à coup, et plus encore, je m’attache à cerner l’essence et la vérité de l’œuvre. C’est là pour moi le défi absolu : fuir la répétition qui naît de la paresse ou de l’habitude, ne pas devenir le clone de ses disques, de soi-même, par manque de courage, de conscience, de sincérité. » (https://www.jejouedupiano.com/le-mag-du-piano/interview-de-Paul-Badura-Skoda.html)

Bruno Serrou

Pascal Dusapin propose à Bruxelles un Macbeth d’outre-monde

Bruxelles (Belgique). Théâtre de La Monnaie. Vendredi 20 septembre 2019

Pascal Dusapin (né en 1955), Macbeth Underworld. Les Weird Sisters. Photo : (c) C Baus / Théâtre de La Monnaie

Pour Macbeth Underworld sur un excellent livret en anglais de Frédéric Boyer, le Théâtre de la Monnaie de Bruxelles offre à Pascal Dusapin une luxueuse création. A l’instar de son aîné Philippe Boesmans, Pascal Dusapin est le compositeur vivant favori de La Monnaie de Bruxelles. C’est avec Macbeth Underworld, son septième ouvrage scénique produit in situ et le troisième à y être créé, que le célèbre théâtre belge a ouvert sa saison 2019-2020

Pascal Dusapin (né en 1955), Macbeth Underworld. Graham Clark (Porter / Hecot) et Magdalena Kozena (Lady Macbeth). Photo : (c) C Baus / Théâtre de La Monnaie

Le concept de cet opéra en « huit chapitres » a émergé dans l’esprit de Pascal Dusapin pendant la genèse de Panthesilea (1) (voir http://brunoserrou.blogspot.com/2015/04/avec-lopera-penthesilea-dapres-kleist.html) en 2011-2013. En 2015, lors des répétitions de cette commande de La Monnaie, Peter de Caluwe, son directeur, a demandé au compositeur s’il pensait déjà à un autre projet. « Je lui ai répondu songer à un Macbeth. Il m’a répondu qu’il me il fallait trouver un second mot au titre. Cette suggestion a vraiment été extraordinaire parce qu’elle a eu une incidence très profonde moi : il ne s’agissait pas seulement de raconter cette histoire mais aussi une autre histoire puisque Macbeth fait partie de la mythologie européenne, et chez lui se trouvent toujours des archétypes qu’il convient de faire revivre. C’est ainsi que j’ai  cherché à associer à son nom l’outre-monde, me disant qu’il me fallait raconter un cauchemar. « Autre monde » est un très beau mot français pas toujours compréhensible et j’ai préféré sa traduction anglaise. » 

Pascal Dusapin (né en 1955), Macbeth Underworld. Magdalena Kozena (Lady Macbeth). Photo : (c) C Baus / Théâtre de La Monnaie

C’est donc un Macbeth-cauchemar qu’offre Dusapin. Les personnages y revivent leurs drames, Lady Macbeth n’est pas une horrible manipulatrice. Dans l’opéra, le couple est amoureux, Macbeth et sa Lady s’aiment. « J’ai voulu que le couple s’aime vraiment, qu’il soit non pas maître mais victime de sa soumission à un pouvoir occulte qui le dépasse. Je souhaitais faire comprendre à travers mon opéra que nous sommes tous de petites gens capables du pire, et qu’il convient d’y veiller. » Une place prépondérante est accordée aux sorcières, qui manipulent jusqu’au subconscient des personnages. Voix d’un autre monde, elles s’expriment dans des registres surhumains. La figure de l’enfant décédé hantant le théâtre shakespearien, sa présence ici permet de pénétrer jusqu’aux abysses de la pensée du couple Macbeth. A l’époque de Shakespeare, l’enfant est un facteur capital de maîtrise du pouvoir, car il permet de le maintenir au sein d’une même famille. Pour les Macbeth, l’enfant est mort et cela devient une obsession. 

ascal Dusapin (né en 1955), Macbeth Underworld. Georg Nigl (Macbeth) et les Weird Sisters. Photo : (c) C Baus / Théâtre de La Monnaie

« Dans la pièce, Macbeth est frappé du sceau de la malédiction, précise le metteur en scène Thomas Jolly qui a rejoint le projet en 2017. La figure de l’enfant décédé a obsédé Shakespeare, qui avait perdu l’un de ses jumeaux. L’enfant sacrifié donne une sensibilité singulière à ses parents. C’est pourquoi un enfant qui chante ce rôle est préférable à un adulte, sa fraîcheur, sa fragilité, sa naïveté apporte une sensibilité incroyable au couple, que les fantômes, la responsabilité, la culpabilité hantent. »

ascal Dusapin (né en 1955), Macbeth Underworld. Magdalena Kozena (Lady Macbeth). Photo : (c) C Baus / Théâtre de La Monnaie

Comme toujours à La Monnaie de Bruxelles, le travail accompli est exceptionnel. La direction d’acteur du jeune directeur du théâtre angevin Le Quai, le comédien Thomas Jolly, est parfaitement réglée. Depuis Eliogabalo de Cavalli en 2016 à l’Opéra Garnier, les progrès du metteur en scène sont patents, et l’on mesure combien le travail avec le compositeur à ses côtés influe sur son travail. Le décor tournant cauchemardesque de Bruno de Lavenère autour d’un tronc d’arbre immense et d’un château délabré, permet une grande diversité de plans démarqués par les lumières blafardes d’Antoine Travert, tandis que les costumes fantomatiques de Sylvette Dequest amplifient le côté crépusculaire du propos.

ascal Dusapin (né en 1955), Macbeth Underworld. Photo : (c) C Baus / Théâtre de La Monnaie

La musique sombre, grondante, menaçante de Dusapin magnifiée par le travail de son fidèle collaborateur qu’est l’électroacousticien Thierry Coduys, fait de l’orchestre le personnage central de aux mille visages de l’opéra. Mais les chanteurs s’expriment trop exclusivement dans une déclamation d’autant plus implacable que la vocalité est tendue à l’extrême. Dans le rôle le plus chanté, Magdalena Kozena campe une Lady Macbeth bouleversante dans ses contradictions, bien que son anglais ne soit pas des plus clairs. 

ascal Dusapin (né en 1955), Macbeth Underworld. Naomi Tapiola (l'Enfant), Graham Clark (Porter / Hecot). Photo : (c) C Baus / Théâtre de La Monnaie

A ses côtés Georg Nigl, déjà présent dans Penthesilea (Achilles), est un Macbeth halluciné, et l’on a plaisir à retrouver le ténor de caractère Graham Clark en fou du roi, emploi qui lui va à merveille. Les trois sœurs manquent d’homogénéité (Ekaterina Lekhina se détachant du groupe) dont la présence est remarquablement prolongée par le Choeur de femmes de La Monnaie, et l’enfant (Naomi Tapiola, membre du Chœur d’enfants et de jeunes de La Monnaie) est remarquable. Dans la fosse, Alain Altinoglu dirige avec allant et un sens aigu de la couleur, maintenant une tension hallucinante  d'un bout à l'autre de l"ouvrage à un orchestre de La Monnaie vif-argent. 

Bruno Serrou

La Monnaie de Bruxelles jusqu’au 5/10. Rés. : (+32 2) 229.12.00. www.lamonnaie.be/fr. En co-production avec l’Opéra-Comique de Paris (25-31/03/2020) et l’Opéra de Rouen (saison 2020-2021). 1) 2 CD  Cypres CYP4654

La Traviata 2.0 de Simon Stone révèle à l’Opéra Garnier une extraordinaire cantatrice, la soprano sud-africaine Pretty Yende

Paris. Opéra national de Paris, Palais Garnier. Dimanche 15 septembre 2019

Giuseppe Verdi (1813-1901), La Traviata. Pretty Yende (Violetta Valeri). Photo : (c) Opéra national de Paris

Simon Stone présente une version Internet et réseaux sociaux convaincante de l’opéra le plus populaire de Giuseppe Verdi

Giuseppe Verdi (1813-1901), La Traviata. Photo : (c) Opéra national de Paris

Opéra parmi les plus joués dans le monde, La Traviata de Verdi est présenté à l’Opéra de Paris dans sa quatrième production en vingt-deux ans. Après Jonathan Miller en 1997, Christophe Marthaler en 2007 (dont on retrouve ici la brouette au deuxième acte) et Benoît Jacquot en 2014, l’urgence d’une nouvelle mouture n’était pas acquise. Pourtant, ce qu’offre à voir Simon Stone s’avère plutôt probant.

Giuseppe Verdi (1813-1901), La Traviata. Photo : (c) Opéra national de Paris

Situant l’action dans le monde cybernétique des réseaux sociaux de l’ère du 2.0, Simon Stone, qui signe ici sa première production à l’Opéra de Paris, frappe fort en plongeant sans artifice Violetta Valeri au cœur du XXI^e siècle dans le monde de la jetset et de l’industrie du luxe, monnayant ses charmes sur Internet avant d’apprendre par e-mail être victime d’un retour de son cancer. L’on voit sur un mur unique placé au centre d’un plateau tournant fort bruyant au demeurant - il le sera plus encore à la deuxième représentation lorsqu’au troisième acte le galet central restera bloqué, empêchant les décors des trois dernières scènes d’apparaître - des sms échangés entre Violetta et Alfredo, la générosité de la dévoyée appréciée à l’aune des découverts abyssaux des relevés de comptes, les relances bancaires, le harcèlement de la cancéreuse par une mutuelle sans scrupules. Fêtes nocturnes, intimité champêtre, jeux de hasard s’enchâssent de façon vertigineuse. Le tout donne au personnage central une humanité douloureuse qui touche par son authenticité.

Rideau de La Traviata mis en scène au Palais Garnier par Simon Stone. Photo : (c) Bruno Serrou

Même si l’on peut regretter l’excès d’effets dès l’ouverture, qui est perturbée par une envahissante série de photos retraçant le passé de l’héroïne tandis qu’elle agonise, ou les sms échangés entre la jeune femme et son amie Flora après sa rupture avec Alfredo, le foisonnement abusif des notifications 2.0. Seul être porteur d’humanité, Alfredo avec qui Violetta tentera de fuir dans un monde bucolique que le metteur en scène se plaît à persifler avec une Violetta chaussée de bottes en caoutchouc qui traie une vache et un Alfredo qui écrase le raisin pieds nus dans une cuve. C’est au nom d’un mariage princier de sa fille que le père Germont demande à Violetta de sacrifier son amour pour son fils, rupture que l’amant découvre sur Instagram, tandis que les jeux d’argent se font sur des tablettes informatiques, argent qui se matérialise néanmoins pour qu’Alfredo le jette à la figure de Violetta.

Giuseppe Verdi (1813-1901), La Traviata. Photo : (c) Opéra national de Paris

Le tout est animé par une direction d’acteur au cordeau par Simon Stone au sein de laquelle la distribution se meut avec un naturel incroyable. Pour sa prise de rôle, révélation de la soirée, Pretty Yende campe une Violetta rayonnante de beauté, juvénile, spontanée, dotée d’une voix pleine et mordante dont il émane la plus vive émotion. Le saisissement est à son comble avec l’air Addio del passato, adieu à l’amour et à la jeunesse. Benjamin Bernheim est un Alfredo incandescent, la voix est étincelante, colorée, puissante. Face à ce couple magnifique, Ludovic Tézier, noble, autoritaire, retrouve en Germont l’un de ses grands emplois.

Giuseppe Verdi (1813-1901), La Traviata. Photo : (c) Opéra national de Paris

Dans la fosse, la direction de braise de Michele Mariotti fait de l’Orchestre de l’Opéra de Paris un personnage protéiforme, avec ses cordes fiévreuses, ses bois flamboyants, ses cuivres crépusculaires qui éclairent le drame comme autant de mystères de l’amour, lançant des flèches acérées de déchirements, d’élans inapaisés.

Bruno Serrou

La chef américaine Karina Canellakis a ouvert la saison 2019-2020 de l’Orchestre de Paris

Paris. Philharmonie. Salle Pierre Boulez. Jeudi 5 septembre 2019

Photo : (c) Bruno Serrou

De transition pour l’Orchestre de Paris, la saison 2019-2020 s’est ouverte mercredi et jeudi à la Philharmonie sur un programme fourre-tout à même de permettre de juger des qualités d’un impétrant susceptible de remplacer un directeur musical démissionnaire.

Photo : (c) Bruno Serrou

Le premier chef d’orchestre à se présenter aura été la jeune chef étatsunienne Karina Canellakis. Son nom seul aura attiré la foule des grands jours. Etait-ce le fait qu’elle soit femme ? Question sans doute saugrenue… Restons-en donc à sa qualité de chef d’orchestre déjà à la tête d’une belle carrière, malgré son jeune âge. Née à New York en 1981, violoniste de formation, fille d’un chef d’orchestre et d’une pianiste, elle est diplômée du Curtis Institute (violon) et de la Juilliard School pour la direction d’orchestre qu’elle a également travaillée avec Allan Gilbert et Simon Rattle. Elle a fait ses débuts en Europe en 2015 en dirigeant l’Orchestre de Chambre d’Europe à Graz. Lauréate de la Fondation Georg Solti en 2016, elle est nommée chef assistante à Dallas. En 2018, elle est choisie par le Comité Nobel pour diriger le concert de gala du Prix Nobel. Cette même année 2018, elle est nommée chef principal de l’Orchestre Philharmonique de la Radio Néerlandaise, poste qu’elle occupe depuis ce mois de septembre 2019. Cette saison 2019-2020, elle fera ses débuts avec l’Orchestre de Philadelphien les Orchestres Symphoniques de San Francisco d’Atlanta et du Minnesota, l’Orchestre Symphonique de Londres, le Philharmonique de Munich et l’Elbphilharmonie de Hambourg.

Photo : (c) Bruno Serrou

En France, Karina Canellakis a fait ses débuts au Festival de Saint-Denis avec l’Orchestre Philharmonique de Radio France, et elle doit retrouver l’Orchestre de Paris une seconde fois cette saison.

Photo : (c) Bruno Serrou

Pour son premier concert de la saison, elle s’est vue confier un programme foutras, de Wagner à Bartók, en passant par Ravel. Geste précis, mouvement dans l’espace aérien, bras sûr, elle s’est principalement imposée dans le Concerto pour orchestre de Béla Bartók, même s’il a manqué d’expressivité. Les musiciens de l’Orchestre de Paris ont joué le jeu avec un plaisir évident, chaque pupitre s’exposant volontiers à la virtuosité et au brio. Plus contestables en revanche les Wagner, dirigés avec une lenteur suffocante, à commencer par le Prélude de Lohengrin, sans charpente, et surtout les Wesendonck-Lieder dans lesquels la mezzo-soprano allemande Derothea Röschmann, dotée en outre d'un vibrato trio large, n’a pu assumer les longueurs de phrases imposées par Canellakis. Lenteur n’est pas synonyme d’expressivité, bien au contraire, car elle annihile toute dramaturgie, toute nuance expressive. La seconde suite de Daphnis et Chloé a fait son effet dans les moments les plus brillants et sonores, mais est apparu plus atone dans les passages plus intimistes.

Reste donc à confirmer, pour Karina Canellakis, malgré un brillant Concerto pour orchestre de Bartók.

Bruno Serrou