CD : Mstislav Rostropovitch intégrale Deutsche Grammophon pour les 90 ans de l’immense violoncelliste russe

Voilà bientôt dix ans, le 27 avril, disparaissait à l’âge de quatre-vingts ans, Mstislav Rostropovitch. Cet immense artiste a porté les caractéristiques et capacités fabuleuses d'humanité du violoncelle dans le grand public, parachevant ainsi le long travail de reconnaissance entrepris par son illustre aîné Pablo Casals.

Pour les quatre vingt dix ans de sa naissance à Bakou, capitale de l’Azerbaïdjan alors l’une des Républiques de l’Union Soviétique, et pour la première décennie de sa mort, ses deux principaux éditeurs phonographiques, DG et Warner, publient deux volumineux coffrets réunissant la totalité de ses enregistrements réalisés pour ces labels.

DG (Deutsche Grammophon) est le premier à présenter sa part des enregistrements de Rostropovitch. Autant en tant que violoncelliste soliste et chambriste que comme chef d’orchestre et pianiste accompagnateur. Le tout en un coffret de trente-sept CDs, de 1950 à 2002. Soit plus d’un demi-siècle de cheminement d’un artiste humaniste citoyen du monde.

Car Mstislav Rostropovitch reste aujourd’hui encore dans les mémoires autant comme un virtuose qui a marqué le paysage musical international de son temps par ses interprétations d’œuvres du répertoire et contemporaines, suscitant une centaine d’œuvres nouvelles, que comme un défenseur de la liberté d’expression, des valeurs démocratiques et de causes humanitaires comme la lutte contre le Sida.

Rostropovitch avait commencé le piano avec sa mère russe dès l’âge de quatre ans, puis le violoncelle avec son père d’origine polono-biélorusse, qui avait étudié avec Pablo Casals. A treize ans, il donne son premier concert en  interprétant en 1940 le Concerto pour violoncelle et orchestre n° 1 de Camille Saint-Saëns. Trois ans plus tard, il entre au Conservatoire Tchaïkovski de Moscou, où il étudie le piano, le violoncelle, la direction et la composition. Parmi ses professeurs, Vissarion Chebaline, Dimitri Chostakovitch et Serge Prokofiev. Il remporte les Concours de Prague et de Budapest, en 1947, 1949 et 1950, année où il se voit remettre par Joseph Staline la plus haute distinction civile soviétique de l’époque, le Prix Staline. En 1955, il épouse la soprano Galina Vishnevskaïa. Il se produit pour la première fois en Occident en 1960, à Bruxelles, dans le Concerto pour violoncelle et orchestre d’Antonin Dvorak avec l’Orchestre National de Belgique, où il revient en 1963, à Liège, sous la direction de son compatriote Kirill Kondachine, avant d’effectuer en Europe plusieurs tournées à l’occasion desquelles il rencontre Benjamin Britten, Henri Dutilleux et nombre de compositeurs qui commencent à écrire pour lui. « Artiste du peuple d’URSS » en 1966, il dirige l’année suivante au Bolchoï son premier opéra, Eugène Onéguine de Tchaïkovski.

Homme libre s’exprimant sans réserve et soutenant des causes mal vues par le régime de Leonid Brejnev, Rostropovitch commence à rencontrer des difficultés en Union Soviétique. Son amitié avec Alexandre Soljenitsyne qu’il accueille chez lui en 1970 et son soutien aux opposants au régime communiste conduisent à sa disgrâce au début des années 1970. En 1974, il obtient l’autorisation de quitter l’URSS avec sa femme et leurs enfants et s’installe aux Etats-Unis. Quatre ans plus tard, il est officiellement déchu de sa nationalité soviétique pour « actes portant systématiquement préjudice au prestige de l’Union Soviétique », et se retrouve apatride. En 1977, un Concours international de violoncelle portant son nom est créé à Paris qu’il présidera jusqu’à sa mort, et prend la direction musicale de l’Orchestre Symphonique National de Washington jusqu’en 1994. En outre, il dirige plusieurs festivals, comme Aldeburgh, Rostropovitch ou Evian, que finance l’industriel Antoine Riboud. Il sollicite de nombreux compositeurs pour leur passer des commandes parmi lesquels Chostakovitch, Prokofiev, Britten, Dutilleux, Messiaen, Xenakis, Bernstein, Lutoslawski, Penderecki…

Le 9 novembre 1989, il joue sur une chaise devant un pan de mur quelques heures à peine après la chute du mur de Berlin. Les images de cette prestation improvisée prises par la télévision allemande font rapidement le tour du monde. Le 16 janvier 1990, Mikhaïl Gorbatchev décrète la réhabilitation de Rostropovitch, qui s’implique dès lors dans la vie officielle de son pays. Il soutient Boris Eltsine pendant la crise institutionnelle en dirigeant sur la Place Rouge l’Orchestre Symphonique National de Washington, puis il soutient Vladimir Poutine lorsque ce dernier est accusé de corruption et de museler la liberté d’expression. En 1998, il devient Ambassadeur de bonne volonté de l’UNESCO et crée avec sa femme la Fondation Vishnevskaïa-Rostropovitch dans le but de stimuler des projets sociaux.

Tous les enregistrements de Mstislav Rostropovitch réunis dans ce gros coffret de trente-sept CDs par DG sont d’une valeur inestimable. Y sont également regroupés ceux qu’il réalisa pour le label Decca, particulièrement ceux qu’il fit avec Benjamin Britten non seulement les œuvres du compositeur britannique mais aussi Bridge, Debussy, Haydn, Schubert, Schumann. Trente-sept CDs pour s’immerger dans les sonorités onctueuses, pleines, fiévreuses et aux riches harmoniques du violoncelle Stradivarius de 1711 qui avait appartenu à Jean-Louis Duport et à Auguste-Joseph Franchomme. Tous enregistrements qui ont fait sensation à leur parution et qui restent aujourd’hui des références. Nous retrouvons ainsi les Concertos pour violoncelle et orchestre de Robert Schumann en deux versions - l’une captée à  Moscou en 1957 sous la direction de Samuel Smosud l’autre en 1960 avec Guennadi Rojdestvenski de 1960 -, Antonin Dvorak avec Herbert von Karajan en 1968, deux versions des Variations Rococo de Piotr I. Tchaïkovski (Rojdestvenski et Karajan), le Deuxième de Chostakovitch avec Seiji Ozawa, le Deuxième de Boccherini avec Paul Sacher, le Concerto de Haydn et le Premier de Saint-Saëns enregistrés à Moscou en 1955 avec Grigory Stolyarov, celui de Tartini, et deux concertos de Vivaldi avec Paul Sacher… Le chambriste se révèle autant en duo avec des partenaires parmi les plus grands, Sviatoslav Richter (intégrale des Sonates de Beethoven), Martha Argerich (Chopin, Schumann), Rudolf Serkin (Brahms) qu’en diverses formations, du trio au quintette, avec le Melos Quartett, l'Emerson String Quartet et le Taneyev Quartet dans trois versions du Quintette avec deux violoncelles de Schubert, Anne-Sophie von Otter et Bruno Giurana (Beethoven), Emil Gilels et Leonid Kogan (Beethoven, Haydn, Schumann, Fauré, ce dernier avec Rudolf Barshaï à l’alto), Alexander Dedyukhin (Rachmaninov, Chopin, Schubert, Schumann, Granados, Borodine, Prokofiev, Popper)… Le chef d’orchestre dirige le Concerto pour piano de Schumann et le Deuxième de Chopin avec Martha Argerich en soliste, les Suites de ballets la Belle au bois dormant, le Lac des cygnes et Casse-Noisette de Tchaïkovski (avec le Philharmonique de Berlin), la Symphonie n° 5 de Chostakovitch, les deux Suites du ballet Roméo et Juliette de Prokofiev, les Concertos pour piano n° 3 de Rachmaninov et de Prokofiev avec Mikhaïl Pletnev. Enfin, côté opéras, une très bonne version de Tosca de Puccini et, surtout, une excellente Dame de Pique de Tchaïkovski, deux enregistrements réalisés à Radio France avec l’Orchestre National de France réunissant des distributions de premier plan, particulièrement l’épouse de Mstislav Rostropovitch, Galina Vishnevskaïa dans le rôle-titre de l’ouvrage de Puccini et Liza dans celui de Tchaïkovski. Enfin, Rostropovitch accompagne au piano son épouse dans un récital de mélodies de Moussorgski, Tchaïkovski et Prokofiev.

Un coffret à se procurer toute affaire cessante, considérant son prix et la valeur de témoignage artistique de l’un des plus grands musiciens de la seconde moitié du XX^e siècle. En attendant celui que Warner s’apprête à publier avec de rares doublons avec celui-ci.

Bruno Serrou

1 coffret de 37 CD « Mstislav Rostropovitch Complete Recordings on Deutsche Grammophon ». 33h 41mn 05s. DG 00289-479 6789

Impressionnant Boris Godounov d’Alexey Tikhomirov à l’Opéra de Marseille

Marseille (Bouches-du-Rhône). Opéra Municipal. Mardi 14 février 2017

Modest Moussorgski (1839-1881), Boris Godounov. Alexey Tikhomirov (Boris Godoiunov), Caroline Meng (Fiodor). Photo : (c) Christian Dresse / Opéra de Marseille

L’Opéra de Marseille présente le chef-d’œuvre de Modest Moussorgski Boris Godounov dans sa version initiale, avec un tsar impressionnant, la basse russe Alexey Tikhomirov.

Modest Moussorgski (1839-1881), Boris Godounov. Photo : (c) Christian Dresse / Opéra de Marseille

Malgré sa longue genèse, Boris Godounov de Moussorgski est l’un des plus hauts chefs-d’œuvre de l’histoire du théâtre lyrique. Il est aussi l’un des plus noirs. Puisant dans l’histoire de la Russie, le compositeur a fait du peuple le héros de son opéra, dans la ligne de son aîné Glinka. Comme lui, il puise dans le folklore russe et les chants orthodoxes. Sa conception de la musique, traduire la vérité dans une expression directe, allait inspirer des compositeurs comme Janáček et Berg. C’est non pas la version en un prologue et quatre actes de 1872 de Boris Godounov ni l’une des deux révisions de Rimski-Korsakov ni-même celle de Chostakovitch que présente l’Opéra de Marseille, mais l’original en sept scènes de 1869, récit sombre et serré de la grandeur et de la décadence du tsar, sans digressions, et plaidant non pas sa culpabilité mais lui accordant le bénéfice du doute. Tandis que la version de 1872 se conclut sur la plainte de l’innocent, celle de 1869 se termine sur la mort de Boris.

Modest Moussorgski (1839-1881), Boris Godounov. Jean-Pierre Furlan (le faux Dimitri), Nicolas Courjal (Pimène). Photo : (c) Christian Dresse / Opéra de Marseille

Malgré une distribution équilibrée, la nouvelle production de l’Opéra de Marseille repose entièrement sur les épaules d’Alexey Tikhomirov. Entendu dans le Coq d’or à La Monnaie de Bruxelles en décembre dernier, la basse russe campe à Marseille un Boris Godounov magistral. Sa silhouette impressionnante, sa noble stature, son timbre aux harmoniques riches et amples, la puissance et la malléabilité de sa voix permettent à la basse russe d’être pleinement le personnage majestueux mais torturé, empli de doutes, de force contenue, de désespoir. Il est le plus crédible sur le plan scénique, littéralement habité par le personnage. Il lui suffit d’être présent, et tout le spectacle repose sur l’intensité de son regard, les couleurs crépusculaires de sa voix, sa gestique naturelle.

Modest Moussorgski (1839-1881), Boris Godounov. Christophe Berry (l'Innocent). Photo : (c) Christian Dresse / Opéra de Marseille

La direction d’acteur de Petrika Ionesco, qui avait déjà signé un Boris Godounov à Genève repris à l’Opéra de Paris, n’est efficiente qu’avec la basse russe, tandis que les autres rôles sont trop figés ou excessifs dans leur jeu, à l’exception du Varlaam ivre-mort de Wenwei Zhang, de l’aubergiste Marie-Ange Tororovitch et de l’excellent Pimène de Nicolas Courjal. Dans la fosse, Paolo Arrivabeni tire le meilleur de l’Orchestre et du Chœur de l’Opéra de Marseille dont la rusticité sert les singularités harmoniques et la verdeur cuivrée qui donnent à l’ouvrage sa parure à la fois sauvage et flamboyante.

Bruno Serrou

D’après l’article paru dans le quotidien La Croix daté vendredi 17 février 2017

Kaija Saariaho et Raphaël Cendo ont ouvert les XXVIIe Présences de Radio France

Paris. Maison de la Radio. Auditorium Studio 104 (ex-Auditorium Olivier Messiaen). Vendredi 10 février 2017

Kaija Saariaho (née en 1952). Photo : (c) Mats Bäcker / Radio France

Créé en 1991 par Claude Samuel, alors directeur de la Musique de Radio France, Présences, festival voué à la musique contemporaine, retrouve cette année l’esprit monographique de son fondateur, en consacrant sa XXVII^e édition à la compositrice finlandaise Kaija Saariaho (1).

« Ma musique correspond au caractère secret, réservé, craintif, mais généreux des Finlandais. Peut-être notre façon de penser la musique n’est-elle ni légère ni joyeuse - nous puisons au plus profond de notre être. Ma musique est peu loquace, mais chaque note a sa nécessité. »

Finlandaise résidant en France, née en 1952, Kaija Saariaho, l’un des compositeurs contemporains les plus joués dans le monde, est de cette nation septentrionale qui, ce dernier demi-siècle, a produit plus de musiciens de talent qu’aucun autre pays. Les commandes ne cessent d’affluer pour elle ; festivals, orchestres, ensembles, opéras lui consacrent tout ou partie de leurs programmations. « J’ai le sentiment de n’avoir rien fait d’autre que composer, me disait-elle en mars 2013 dans le cadre d’un portrait que je lui consacrais dans le quotidien La Croix. Plus je suis jouée, plus on entend ma musique, plus on veut me programmer. J’ai ainsi la chance de me concentrer sur ma seule création. » Distinguée pour ses grandes partitions d’orchestre et pour son opéra l’Amour de loin (1) créé au Festival de Salzbourg en 2000 avec un succès immédiat, elle a donné à l’Opéra de Paris Adriana Mater (2006) et, à l’Opéra de Lyon, Emilie (2010). Trois portraits de femmes sur des livrets d’Armin Maalouf auxquels il convient d’ajouter l’oratorio la Passion de Simone (2) qui sont autant de facettes de la compositrice. Ces quatre œuvres sont écrites sur des textes français, parce que, vivant en France, Saariaho baigne au quotidien dans cette langue. « Il m’importe de conduire les mots que je mets en musique. Avec le sur-titrage, les paroles sont désormais toujours comprises, ce qui renforce chez les spectateurs le sentiment de vivre l’opéra. »

Kaija Saariaho. Photo : DR

C’est à Paris que Kaija Saariaho s’est installée pour travailler non loin de l’IRCAM, à l’ombre duquel elle a acquis en vingt-cinq ans une maîtrise de l’informatique musicale hors norme. Ainsi, avec Magnus Lindberg et Esa-Pekka Salonen, elle est des compositeurs finlandais du groupe Ouvrez les Oreilles qui se sont imposés sur la scène internationale. Elève de Paavo Heininen à l’Académie Sibelius d’Helsinki, elle a aussi étudié avec Klaus Huber et Brian Ferneyhough à Fribourg-en-Brisgau. En 1982, elle s’initie à la musique avec informatique à l’IRCAM. Ce premier séjour parisien la met au contact des techniques de composition élaborées par Gérard Grisey, Tristan Murail et Michael Levinas. Ce courant de pensée allait marquer ses œuvres, toujours plus centrées sur le son, matière vivante emplie de micro-vibrations dont l’analyse lui ouvre des perspectives harmoniques de plus en plus larges. Sa musique apparaît ainsi dans une continuité gouvernée par le goût du détail, une sensibilité extrême, une vaste imagination sonore et l’usage de méthodes de composition raffinées. Elle affine sa démarche qui place le timbre au centre de ses préoccupations, associant matériau et forme, tandis que l’ordinateur la conduit à explorer les ressources du son et de les projeter dans le temps. En 1995, le succès du Château de l’âme pour groupe vocal et orchestre au Festival de Salzbourg lui vaut la commande de l’Amour de loin. Son style s’allège, intégrant lyrisme et classicisme. Elle compose pour ses proches, comme le chef Salonen, le violoncelliste Anssi Karttunen, l’ensemble Avanti!. « Ces interprètes, qui connaissent ma musique, discernent son évolution, et avec qui je peux en discuter me sont essentiels. »

Kaija Saariaho. Phoito : DR

Après avoir remporté le Prix des Lycéens 2013, Kaija Saariaho s’est vue consacrer un Domaine privé de la Cité de la musique pour lequel elle s’est préparée pendant deux ans. « Nous avons voulu lier ma musique à celle de Sibelius que je connais intimement. Son œuvre me porte depuis toujours. Quant aux interprètes, ce sont ceux avec qui j’aime travailler. » C’est de ces mêmes interprètes, auxquels s’ajoutent d’autres participants, que Kaija Saariaho s’est entourée pour cette décade que lui consacre Radio France en ce mois de février 2017.

Jennifer Koh, Dima Slobodeniouk, Kaija Saariaho, Orchestre Philharmonique de Radio France. Photo : (c) Bruno Serrou

Le premier des dix-huit concerts de cette XXVII^e édition de Présences a attiré le banc et l’arrière-ban de la musique contemporaine. En présence bien sûr des deux compositeurs programmés pour l’occasion, Kaija Saariaho et Raphaël Cendo, mais aussi la grande majorité de ceux joués au cours de cette décade, ainsi que nombre de leurs confrères, dont plusieurs aînés, des éditeurs, des instrumentistes, d’anciens directeurs du festival, dont son fondateur, Claude Samuel, et jusqu’au directeur de l’Opéra de Paris, Stéphane Lissner, que l’on a peu l’habitude de croiser dans un tel cadre mais qui programme la saison prochaine la création française de l’opéra en deux parties Only the Sound Remains de la compositrice finlandaise (2). Deux excellentes solistes ont servi les deux œuvres de Saariaho à l’affiche. Créé à Londres par Gidon Kremer et le BBC Symphony Orchestra dirigé par Esa-Pekka Salonen dans le cadre des Proms 1994, Graal Théâtre est un concerto pour violon et orchestre de moins de trente minutes qui adopte le titre du roman éponyme de Jacques Roubaud (né en 1932) paru en 1977 que la compositrice a repris pour « exprimer la tension qu[‘elle] ressent entre [ses] efforts [quand elle] écrit sa musique et l’aspect théâtral de l’exécution […] où le soliste joue un rôle majeur, tant physique que musical ». Enregistrée en 2001 par ses créateurs (3), révisé pour orchestre de chambre en 1997, cette œuvre mériterait d’être légèrement resserrée, mais la virtuosité particulièrement sollicitée de la partie soliste a été brillamment assurée par la violoniste états-unienne Jennifer Koh.

Dima Slobodeniouk, Nora Gubisch, Kaija Saariaho, Orchestre Philharmonique de Radio France. Photo : (c) Bruno Serrou

A l’instar de la seconde partition, Adriana Songs ou Chants d’Adriana, composée en 2006 pour mezzo-soprano et orchestre en quatre parties (dont une exclusivement instrumentale) à partir du deuxième opéra de Saariaho, Adriana Mater créé à l’Opéra de Paris-Bastille en avril 2006 sur un livret du fidèle collaborateur de la Finlandaise, l’écrivain franco-libanais Armin Maalouf. Diction claire et voix de velours, Nora Gubisch a donné pour la première audition française de ces pages une interprétation engagée et chaleureuse, tandis que l’Orchestre Philharmonique de Radio France en a donné une lecture mobile mais manquant d’éclat, malgré la précision et l’allant de la direction de Dima Slobodeniouk.

Raphaël Cendo (né en 1975). Photo : DR

Le chef russe, directeur de l’Orchestre Symphonique de Galicie, chef principal du Sinfonia de Lahti et directeur artistique du Festival Sibelius de cette ville finlandaise, a dirigé avec ferveur, une précision, une énergie de chaque instant la création mondiale Denkklänge (Penser [par] les sons) de Raphaël Cendo (né en 1975). Dédiée au couple de mécènes Françoise et Jean-Philippe Billarant, cette œuvre pour grand orchestre (bois par trois, quatre cors, trois trompettes, trois trombones, tuba, timbales, cinq percussionnistes, harpe, piano, célesta, cordes - 14, 12, 10, 8, 6) est pour le moins impressionnante. D’une durée de quelques vingt-cinq minutes, elle est d’une virtuosité folle, donnant à entendre des sons qui fusent de toute part entrecoupés de silences qui brisent toute velléité discursive, tandis que certains fortississimi vertigineux sollicitant les oreilles des auditeurs au point de réveiller les acouphènes des plus fragiles. 

Raphaël Cendo, Dima Slobodeniouk, Orchestre Philharmonique de Radio France. Photo : (c) Bruno Serrou

Le conducteur de l’œuvre s’ouvre sur neuf pages d’explications que le chef doit assimiler avant de commencer à la travailler, tandis que la pièce elle-même compte quatre vingt dix pages d’une écriture plutôt dense (voir http://fr.calameo.com/read/00432606793f06a4cb8c8). Denkklänge s’est révélé comme le moment-clef du concert, et, placé juste avant la pause, ce grand moment d’orchestre allait susciter les discussions les plus passionnées tout au long de l’entracte, les propos allant de l’admiration la plus totale au rejet le plus violent.

Bruno Serrou

2) Du 23 janvier au 7 février 2018. 3) 1CD Sony Classical

Nicolaï Gedda, l’un des grands ténors du XXe siècle, est mort à 91 ans le 8 janvier dernier

Nicolaï Gedda (1925-2017). Photo : DR

Nicolaï Gedda, l’un des immenses ténors du siècle passé dont la carrière a été d’une longévité exceptionnelle, le répertoire d’une densité rare et sa discographie d’une richesse et d’une variété impressionnante, est mort voilà tout juste un mois, le 8 janvier 2017, en son domicile suisse des suites d’une crise cardiaque. Il avait demandé à ses proches de rendre son décès public le plus tard possible. C’est pourquoi nous l’apprenons un mois après sa disparition.

La technique parfaite, son sens du mot, son élégance ont fait de Nicolaï Gedda l’un des plus grands noms de son temps. Né à Stockholm le 11 juillet 1925 de père russe et de mère suédoise, il a fait ses études et a commencé à l’Opéra royal de sa ville natale en 1952 dans le Postillon de Longjumeau d’Adolphe Adam. La même année sa carrière internationale commence avec Oberon de Weber à l’Opéra de Paris. L’année suivante, il est à la Scala de Milan en Don Ottavio du Don Giovanni de Mozart, au Festival d’Aix-en-Provence en 1954 dans le rôle de Belmonte de l’Enlèvement au sérail, suivi d’Orphée dans Orphée et Eurydice de Gluck, Thespis de Platée de Rameau, Ferrando de Cosi fan tutte, à Vienne au Musikverein dans Carmen en concert, et au Covent Garden de Londres en Duc de Mantoue de Rigoletto de Verdi. En 1957, il est au Metropolitan Opera de New York en Faust de Gounod et Anatol pour la création de Vanessa de Samuel Barber, au Festival de Salzbourg en Belmonte et Horace lors de la création de l’Ecole des femmes de Rolf Liebermann, et Vanessa de de Barber, Ferrando, Ottavio et le chanteur italien dans le Chevalier à la rose de Richard Strauss. Dès lors, il se produit sur toutes les grandes scènes du monde, y compris au Bolchoï de Moscou où il fait sa première apparition en 1980.

Grand spécialiste du répertoire français, Roméo, Faust (Berlioz et Gounod), Cellini, Werther, Nadir, Hoffmann, etc., allemand (Mozart, Gluck, l’opérette) et russe (Lenski d’Eugène Onéguine de Tchaïkovski, Dimitri de Boris Godounov de Moussorgski, Une vie pour le tsar de Glinka, Lady Macbeth de Mtzensk de Chostakovitch, il s’attache également aux compositeurs italiens, Bellini, Verdi, Puccini. Il des produit également en récital de lieder et de mélodies. Il a chanté plus de soixante-dix rôles sur toutes les scènes du monde et enregistré plus de deux cents disques. Parmi ces derniers, retenons entre autres Boris Godounov dès 1952 - ouvrage qu’il enregistrera de nouveau en 1977 avec Jerzy Semkov (Warner) - et Faust dirigés par André Cluytens (Warner), Madama Butterfly avec Maria Callas et Herbert von Karajan (Warner), le Baron tzigane de Johann Strauss avec Elisabeth Schwarzkopf (Warner), aux côtés de qui il enregistre également Capriccio de Richard Strauss sous la direction de Wolfgang Sawallisch (Warner), Une Vie pour le tsar de Glinka avec Igor Markevitch (Warner), Carmen de Bizet avec Victoria de Los Angeles et Sir Thomas Beecham puis avec Maria Callas et Georges Prêtre (Warner), la Bohème de Puccini avec Mirella Freni et Thomas Schippers (Warner), la Missa da Requiem de Verdi avec Schwarzkopf et Carlo Maria Giulini, les Contes d’Hoffmann d’Offenbach avec Schwarzkopf, Los Angeles et Cluytens (Warner), l’Enlèvement au sérail de Mozart avec Joseph Krips (Warner), la Messe en si mineur de Jean-Sébastien Bach avec Otto Klemperer (Warner), Werther de Massenet avec Georges Prêtre, Benvenuto Cellini et la Damnation de Faust avec Sir Colin Davis (Decca), Lady Macbeth de Mtzensk de Chostakovitch avec Mstislav Rostropovitch (Warner), Padmâvati d’Albert Roussel avec Michel Plasson (Warner), la Flûte enchantée de Mozart avec Otto Klemperer (Warner), le Journal d’un disparu de Leos Janacek (Supraphon), le Chevalier à la rose de Richard Strauss avec Herbert von Karajan (Warner), Guerre et Paix de Prokofiev avec Rostropovitch (Warner), Candide de Leonard Bernstein (Deutsche Gramophone)…

Bruno Serrou

Cosi fan tutte de Mozart dédoublé par la chorégraphe Anna Teresa De Keersmaeker

Paris. Opéra Garnier. Mardi 31 janvier 2017

Photo : (c) Anne Van Aarschot / Opéra national de Paris

Dernier volet de la trilogie Mozart/Da Ponte, Cosi fan tutte est sans doute le plus délicat à réaliser, à la fois en raison de son intrigue, somme toute scabreuse - ce qui lui valut notamment les diatribes de Beethoven et de Wagner - et longuette (trois heures d’horloge pour démontrer sur un même thème la volatilité du cœur des femmes qui, en fait, n’a rien à envier à celui des hommes, c’est beaucoup !), et par la simplicité de son action - trois femmes, quatre hommes jouant à se tromper les uns les autres pour une spéculation élémentaire. Il est vrai qu’il s’y mêle érotisme et philosophie des Lumières, ce qui n’est pas sans piment. Mais pour évoquer cette initiation à l’amour menée par un mentor cynique qui ne croit pas à sa pérennité, Mozart a conçu une musique touchée par la grâce, à la fois grave et légère, souriante et sombre.

Photo : (c) Anne Van Aarschot / Opéra national de Paris

La chorégraphe belge Anna Teresa de Keersmaeker, directrice fondatrice de la compagnie de danse Rosas, a l’ingénieuse idée de dédoubler les personnages, chaque chanteur ayant son danseur, même si l’on s’y perd un peu au début. Le décor blanc d’arrière-scène entourant un plateau uniformément blanc nu couvert de plans de mouvements chorégraphiques, renvoie à celui infiniment plus coloré que Richard Peduzzi avait imaginé pour la production présentée à Aix-en-Provence en 2005 et reprise à Garnier quelques semaines plus tard. 

Photo : (c) Anne Van Aarschot / Opéra national de Paris

Mais là où Chéreau se focalisait sur le théâtre, mettant en relation le chant et les vibrations du corps, c’est cette dernière problématique que Keersmaeker a reprise en dédoublant les protagonistes, le double muet prenant peu à peu son autonomie, comme si les personnages s’éloignaient d’un miroir. Pourtant, ce dispositif intelligemment pensé ne parvient pas à convaincre pleinement. Laissant à la musique de Mozart le soin d’exprimer l’émotion, elle reste fidèle à elle-même, utilisant gestes et pas de danse qui lui sont propres, avec cependant moins de violence et de dureté que de coutume. Mais elle crée de magnifiques moments, notamment les sextuors de fin d’actes, où chanteurs et danseurs se mêlent, se croisent en un bouquet coloré variant d’intensité.

Photo : (c) Anne Van Aarschot / Opéra national de Paris

N’ayant pu assister à la première étant engagé par ailleurs, c’est la seconde distribution qui se produisait le 31 janvier. Jeune et encore peu aguerri, le plateau vocal s’est avéré fort homogène, avec notamment la Dorabella au timbre onctueux de Stéphanie Lauricella, la Fiordiligi élancée d’Ida Falk-Winland, et surtout le Ferrando séduisant et passionné de Cyrille Dubois, voix souple au timbre étincelant. Dans la fosse, dirigeant et tenant le piano, Philippe Jordan, qui alterne Cosi fan tutte à Garnier et Lohengrin à Bastille, dirige avec fougue, libérant une énergie trop uniforme tandis que le premier acte s’étire en longueur, élaguant la grâce, la délicatesse, la sensualité de l’ouvrage, tandis que l’Orchestre de l’Opéra demeure irréprochable.

    

Bruno Serrou

Opéra de Paris Garnier, jusqu’au 19 février